5 ans après le succès planétaire de son premier album, The Wanderings of The Avener, le DJ niçois Tristan Casara revient avec un nouvel album solaire, Heaven. Rencontre
Qu’as-tu fait de beau entre tes deux albums ?
The Avener : J’ai tourné, voyagé, fait beaucoup de rencontres. Je suis une personne très sensible et durant ces 3 à 4 années de voyages, beaucoup de choses m’ont marqué en positif comme en négatif et m’ont ouvert l’esprit sur notre société. Je me suis rendu compte, en visitant par exemple les pays du Golfe ou l’Indonésie, où il y a énormément de restrictions sociales et humaines, de la chance que nous avons de vivre dans un pays libre. Toutes ces découvertes m’ont donné à réfléchir, m’ont nourri et orienté pour produire cet album à sens contraire de la négativité ambiante.
« Si la musique a un impact, autant qu’il soit positif ! »
Heaven, ton nouvel album, est en effet très « feel-good ».
C’est un vrai choix engagé pour cet état d’esprit, à contre-pied de l’ambiance générale. Il l’est beaucoup plus que le premier album parce que je me sens moi-même beaucoup mieux. Avant, j’étais plus mélancolique car je travaillais seul dans mon coin, sans savoir si ce que je faisais aller marcher. Ce que j’aime c’est transcender le public à travers les émotions. J’ai l’impression qu’en ce moment on a tendance à occulter cette part positive qui existe en nous. Même si il y a des artistes urbains que j’aime beaucoup, ce que je reproche notamment au rap actuellement, c’est de pointer trop souvent le négatif dans la société et d’occulter le message d’espoir. La musique formate énormément le cerveau et cela m’attriste de voir la jeunesse écouter des choses ultra vulgaires et négatives même si elles sont engagées. A mes yeux, cela ne va pas dans le bon sens. Alors que la musique électronique et le rock permettent de se lâcher, ce sont des formes de transcendance. Avec cet album, je me suis dit : « Si la musique a un impact, autant qu’il soit positif ! ».
Les titres que tu as composés entièrement sur l’album sont les plus cinématiques. Ecrire de la musique pour le cinéma est quelque chose qui t’intéresse ?
« La musique électronique et le rock permettent de se lâcher, ce sont des formes de transcendance »
Comment as-tu travaillé sur ces compositions?
Quand je lance un projet d’album, j’aime faire des instrumentaux d’une minute pour créer un « feeling », puis je reviens dessus une à deux semaines plus tard. Je pars toujours du piano qui est au rez-de-chaussée de ma maison dans le sud. J’y enregistre quelques notes puis ensuite je monte à l’étage dans mon studio avec mes synthés et mes machines.
Tu as collaboré sur cet album avec plusieurs artistes pop-rock…
J’ai commencé dans la musique électronique (House, Deep House et Techno), mais il arrive un moment, en grandissant, où on a envie d’un peu réchauffer cette musique qu’on a écouté plus jeune. C’était le but de mon premier album à travers les Reworks. Je me suis rendu compte que la musique pop- rock, c’est la fédération à l’état pur! On en écoute sans le vouloir, partout, dans notre voiture, dans les magasins, toute la journée depuis 30 ans. Aujourd’hui à 33 ans, je me retrouve dans une phase de ma vie où j’ai envie de faire jouer des guitares, de faire chanter des gens qui ont un message clair dans la voix et qui ne sont pas torturés, comme Spelles, Manu Lanvin (que je connais depuis plus de 10 ans et qui m’a initié au blues), M.I.L.K qui vient de la pop mais aussi Tiwayo. J’ai rencontré cet artiste par mon label et j’ai été bluffé par son charisme vocal unique qui mélange rock et reggae. Le morceau que nous avons fait ensemble parle très bien du monde dans lequel on vit. Je l’ai un peu re-funkisé, avec un petit côté FM pour mettre en valeur sa voix et je suis très fier de ce morceau.
« Je me retrouve dans une phase de ma vie où j’ai envie de faire jouer des guitares »
C’est toujours important pour un artiste de passer en FM aujourd’hui ?
Je ne vais pas vous mentir : cela permet d’exister quand même. Le streaming c’est génial. J’ai des statistiques et je vois ce que les gens écoutent. Mais la FM est partout. On allume le poste et on écoute. Je suis peut être un peu old-school quand même (rires).
Pourquoi y a t-il peu de collaborations avec des artistes français sur cet album ?
Quand j’ai commencé à écrire, j’ai passé deux mois et demi à Los Angeles et l’esprit californien s’est emparé de moi (rires). C’était la première fois que je voyageais sur la côte Ouest et vivre en Californie donne tout de suite une couleur à la musique. Il ne faut pas oublier que je viens du Sud de la France et Nice est un peu notre petite Californie à nous. Il y a plein de morceaux que je me suis vu écouter à fond dans une vieille Chevrolet. Et je viens de cette musique anglo-saxonne, c’est la musique que j’écoute. Je consomme très peu de musique française. Je sais… Il faut que j’améliore ma culture à ce sujet.
Comment choisis-tu les titres que tu vas retravailler ?
Sur cet album, j’ai laissé des reworks, car j’avais envie de rattraper les personnes qui ont aimé le premier album avec des titres de Bob Dylan (« Masters of War »), ou encore Terry Callier et quelques instrumentaux. Quand tu es DJ, tu es amené à faire danser les gens de minuit à cinq du matin et si tu fais une erreur, voire deux ou trois dans la soirée, les gens se barrent et le patron ne veut pas te payer. C’est déjà arrivé, crois moi. Choisir un morceau, c’est tout un art ! Il faut que tu sois sûr que cela va fonctionner même si ce n’est pas toi qui l’a composé. Je pense qu’inconsciemment, j’ai transposé ce réflexe sur ma création et ma façon de choisir les morceaux à retravailler. La recette c’est d’avoir une vision claire de ce qu’on entend et ne pas l’entendre que pour soi mais pour le public qui va l’écouter au final. Avant, j’était très « communautaire ». Je me disais : « Ma musique c’est ma musique, si ils aiment pas tant pis. » Mais j’ai changé d’état d’esprit. Quand tu vois une foule de 15 000 personnes qui connaissent ton titre, que les gens tapent dans les mains, qu’ils dansent avec le sourire aux lèvres, que tu les fédères, c’est une chance que tu n’as pas deux fois dans la vie. Cette chance là m’a permis de « dé-communautariser » ma musique. L’oreille humaine a beaucoup changé et elle s’est faite énormément formater. C’est difficile de sortir les gens de cela, donc si tu veux quand même exister dans ce métier, il faut accepter de faire quelques concessions. Ce n’est pas se prostituer que de dire cela quand on aime ce que l’on fait et que l’on souhaite vivre de sa passion. Ces petites concessions, je les fais au niveau de la production, mais au niveau musical j’écris ce que j’aime.
Est-ce qu’il y a une collaboration rêvée que tu n’as pas encore faite ?
Les paroles de chansons comptent aussi pour toi ?
Évidemment ! Et j’avais pas mal de choses à dire ! J’ai beaucoup travaillé en collaboration avec les chanteurs pour écrire les textes. Il y a quelques chansons sur l’album où j’étais vraiment à côté du songwriter pour trouver le bon mot. Je ne chante pas encore mais ça viendra sûrement, pourquoi pas. Par exemple, la chanson « Time » avec Salvat est extrêmement mélancolique, quasiment un piano- voix. On l’a composée à 4h du matin chez moi. Il m’a dit : « Viens on écrit une chanson sur le manque de temps car on manque de temps pour écrire là« . Mais le temps a un sens tellement plus large : on a plus le temps parce qu’on est gravement malade, parce qu’on est en retard au travail… Il y a de nombreuses significations possibles. J’aime pouvoir aborder des thèmes qui sont relativement libres. Au début de la techno, on s’en foutait un peu des paroles. On chantait : « Rock to Beat » et c’est tout (rires). En général, je cherche des paroles qui me correspondent et dont je suis fier. Ce qui est le plus important pour moi est de pouvoir aimer ses morceaux avec le temps.
« J’ai envie de m’ouvrir à tous les styles et surtout de ne pas cloisonner The Avener »
Le premier album a été triple disque de platine. Tu ressens de la pression avec ce nouvel opus ?
Qu’est ce que cela fait de démarrer en club et de finir par jouer à la Salle Pleyel ?
C’est une très bonne question… J’avoue qu’une semaine avant, je ne dormais plus ! Quand j’avais 10 ans et que j’étais au conservatoire classique, mon professeur de piano me parlait déjà de la Salle Pleyel comme étant le lieu ultime pour la musique classique. J’avais cette image de la salle où tu arrives devant un grand piano Steinway, en queue de pie et que tu joues devant 2000 personnes. La salle a beaucoup changé mais l’image que j’en ai dans la tête pas du tout. Pour moi, je l’assimile au classique et surtout à la virtuosité. Quand on m’a annoncé que j’avais la possibilité d’y jouer, j’ai accepté mais imaginer des gens écouter de l’électro là-bas m’a quand même paru bizarre. Alors j’ai voulu faire un show un peu plus hybride. Quand j’ai dit à mon manager que je voulais sortir le grand piano, des cordes et y aller à fond, il m’a regardé avec de grands yeux et répondu : « Mais Tristan, on est plus en 1950 ! Les gens n’attendent pas cela de toi ! ». Quand je suis arrivé, tous les gens au balcon étaient assis, c’était bizarre. Alors on a un peu changé la donne au milieu du concert. J’ai demandé à mes équipes de passer en mode électro. J’ai remis mes pistes en mode DJ et je me suis adapté à l’ambiance en direct. Là, tout le monde s’est levé et j’ai enfin respiré. On a même proposé un petit live à la fin du concert avec M.I.L.K, Manu Lanvin et la chanteuse Ayo pour faire découvrir les nouveaux morceaux. C’est ce mélange d’électro et de live que je souhaite faire sur ma nouvelle tournée : une trentaine de minute en acoustique avec les guitares et le groupe pour donner de la vie au deuxième album, puis je sors de scène et on installe rapidement une nouvelle scénographie pour repasser ensuite en mode club. C’est un peu la bipolarité qui m’est propre, qu’on retrouve aussi sur cet album. J’ai besoin de ça.
Qu’est-ce qui a changé depuis le succès de ton premier album ?
Propos recueillis par Alma Rota
>>> Ecouter l’album Heaven de The Avener sur Spotify
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